No necesita aparecer entera para ser reconocida.

Ahí comienza la obra.

 

El encuadre interrumpe el rostro, pero no su identidad. Basta un ojo, la línea de una ceja, la boca roja y las flores para que la imagen continúe donde el lienzo termina.

 

Lo que falta no desaparece.

Permanece.

 

Aquí la pintura no reconstruye un rostro.

Reconstruye una presencia.

 

El color tampoco intenta embellecer la imagen.

La atraviesa.

 

Turquesas, ocres, rosas y negros irrumpen sobre la piel como si también formaran parte de ella. La pincelada permanece visible. La materia conserva el relieve. Nada pretende ocultar que toda identidad se construye capa sobre capa.

 

No hay una superficie perfecta.

Hay una historia.

 

Frida convirtió la pintura en un lugar donde permanecer cuando el cuerpo dejó de ser suficiente. Cada autorretrato fue una forma de seguir existiendo, de afirmarse frente al dolor, al tiempo y a la desaparición.

 

Este retrato nace de esa misma idea.

No reproduce su imagen.

Construye su permanencia.

 

Por eso la obra no necesita mostrarlo todo.

Hay rostros que la memoria termina de completar.

 

Hay identidades que ya no dependen de la totalidad para ser reconocidas.

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La ausencia deja de ser una pérdida.

Se convierte en una forma de presencia.

 

No vemos todo el rostro.

No hace falta.

 

El retrato está incompleto.

Frida, no.

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Nota del artista

 

Retrato construido con fragmentos de su propia obra, colores puros y capas superpuestas como traducción material de un lenguaje pictórico que nunca buscó suavizar el conflicto.